Fluxus

Fluxus fue un  movimiento creado por George Maciunas en 1962 y que reunió a más de medio centenar de artistas plásticos, músicos, poetas y performers bajo consignas cercanas al dadaísmo.

Fluxus, es por tanto un movimiento alternativo y radical heredero del dadaísmo y el surrealismo. Está formado por grandes intelectuales que se afanan en buscar la parte irracional, no convencional de la creación artística.

Como indica su nombre "fluxus" - flujo, en latín - era un continuo dejar correr en libertad ideas y obras.

Como Dadá, Fluxus es una manera de entender la creatividad artística radical e innovadora que sólo el tiempo llegará a valorar en su justa medida. En la antítesis del Arte conceptual, Fluxus es una vía de desintegración del arte en lo cotidiano.

Surgimiento

George Maciunas, fundador de Fluxus escribió para explicar el fin perseguido por su grupo:

"Fluxus purga el mundo de la locura burguesa, de la cultura intelectual, profesional y comercializada. Purga el mundo del arte muerto, de imitación, del arte artificial..."

Fluxus nació, en un principio, como una revista de arte, en la ciudad alemana de Wiesbaden en 1961 con el Festival Festum Fluxorum y con una serie de conciertos en Nueva York.

Fluxus fue el grupo artístico más abierto e internacionalista, también el más feminista de cualquier otra vanguardia, desde el dadaísmo y el constructivismo ruso. Su desarrollo fue paralelo al Pop art y al minimalismo en Estados Unidos.

George Maciunas apoyó el nombre del grupo, fluxus (flujo), en la definición de Henri Bergson para argumentar que nuestra experiencia del mundo no se da momento a momento, sino en un flujo imparable, como cuando escuchamos música.

Historia

Las primeras actividades de Fluxus se llevaron a cabo a principios de los años 60. 

Esa época constituyó un parteaguas para las artes plásticas en Europa y Estados Unidos. 

El campo de tensión de los múltiples movimientos anti-arte que sucedieron las ideas de Marcel Duchamp -neo-dada en Nueva York, nouveau réalisme en París, Zero en Düsseldorf- permitió una libre exploración de la realidad y cuestionó el significado tradicional de los medios artísticos. En el intento de reconciliar el arte con la vida se basó un importante impulso para el surgimiento de nuevas formas artísticas que no se centraban en la producción de artefactos, sino en la acción y el involucramiento activo del público.

En sus trazos fundamentales, la filosofía estética que sustentaba al movimiento provenía de Estados Unidos.

  John Cage la había permeado del espíritu de la música; de esta manera, Fluxus se deriva no tanto de la historia evolutiva de las artes plásticas sino, sobre todo, de la música experimental. En esta conexión de pensamiento radica también el motivo de la transposición de límites mediáticos que caracterizó desde el inicio sus actividades. Fluxus reunió a músicos, literatos y artistas plásticos en producciones conjuntas y encontró una expresión sensorial en conciertos, eventos, manifiestos y ediciones.

En las composiciones e improvisaciones musicales eran introducidos objetos de diversa naturaleza con el objetivo de generar los más raros ruidos y sonidos. Así, las máquinas de escribir, las ruedas y gomas de bicicleta transportaban el ruido de la cotidianeidad y de la vida urbana a un contexto cultural, donde estos mismos ruidos eran aislados y pulidos para luego ser organizados musicalmente. 

En "Zen for Head" (1962) de Nam June Paik, el artista se servía de su corbata para trazar caligramas sobre un rollo de papel; luego, metía su propia cabeza en un cubo de tinta y con este nuevo pincel concluía la acción de demarcación lineal. Se servían de todo tipo de medios presentes en el aula musical: desde un piano hasta una colección de instrumentos orientales, mezclados con objetos tan heterogéneos como juguetes, monedas o botones.

Artistas de Fluxus

Joseph Beuys

Joseph Beuys fue uno de los artistas alemanes más conocidos, pero también más controvertidos de la posguerra: sus obras y acciones fueron revulsivos llamados a la reflexión.

 Joseph Beuys nació el 12 de mayo de 1921 en Krefeld. Durante la guerra fue piloto. Después estudió escultura en la Kunstakademie de Düsseldorf, donde también fue profesor de 1961 a 1972. 

En los años 70 y 80 desarrolló actividades en todo el mundo.

 Sus obras fueron exhibidas en la Bienal de Venecia, el Guggenheim Museum de Nueva York y el Seibu Museum of Art en Tokio. 

En 1979 se presentó como candidato de Los Verdes para el Parlamento Europeo. Murió el 23 de enero de 1986 en Düsseldorf.

Para Beuys, "todo ser humano es un artista", y cada acción, una obra de arte. Con esa concepción ampliada del arte despertó revuelo y desató debates en todo el mundo. Las obras de arte eran para Beuys tan efímeras como la vida. Por ello nunca quiso crear obras para la eternidad, sino dar impulsos para la reflexión.

La grasa y el fieltro

Sus materiales preferidos fueron la grasa y el fieltro. Lo que a primera vista puede parecer arbitrario, en realidad no lo es. En 1943, su avión Stuka es derribado sobre Crimea. Beuys sufre graves heridas, pero vive. Un grupo de nómadas tártaros lo encuentra, inconsciente, y lo salva de la muerte segura untando sus heridas con grasa animal y protegiéndolo del frío con fieltro: una experiencia que marcaría el resto de su vida, como relata en su autobiografía.

Beuys tomó elementos mitológicos, filosóficos, médicos y religiosos en su intento utópico de ayudar a crear una sociedad más humana. Muchos de sus dibujos, plásticas, acciones y conferencias contienen referencias al mundo de la medicina, tanto popular como académica.

En su último periodo creativo, Beuys también analizó intensamente el chamanismo, para el artista una filosofía natural que evoca un mundo originario en el que todos los seres viven en armonía. En ese sentido, Beuys fue un adelantado de su tiempo, ya que veía en el chamanismo un enfoque médico integral, que armoniza a todo el ser: su cuerpo, su espíritu y su alma.


Sus primeras obras

En 1953 presenta sus primera obras, entre ellas su famoso retrato de Leonardo "Gioconodología". El 1961 es elegido en la Academia Nacional de Arte de Düsseldorf catedrático de escultura monumental, donde ejerce la docencia con extraordinario carisma, fascinando a los estudiantes. La enseñanza pasa a ser un elemento central de su teoría artística.
En 1962 comienza sus actividades en Fluxus, un movimiento neodadaísta que tiene como objetivo difuminar los límites entre las artes. En 1963 comienzan sus acciones: los artistas actúan sobre un escenario ante el público, a diferencia de los happenings, en los que éste es el protagonista. Ese año, Beuys da el primer concierto de Fluxus, con una "Composición para dos músicos" y la "Sinfonía siberiana, primer tiempo", durante la que presenta por primera vez una liebre muerta, lo cual es un shock para el público.

En una caja de naranjas

En 1965, Beuys pasa 24 horas dentro de una pequeña caja de naranjas. Durante la inauguración de la exposición "Beuys... cualquier soga" explica las obras a una liebre muerta. En sus acciones hace confluir prácticas religiosas, rituales, curativas, sociales, científicas y políticas.

En el verano de 1967, Beuys viaja por España con el artista danés Per Kirkeby y visita Manresa, donde San Ignacio de Loyola escribió sus "Ejercicios espirituales". En Düsseldorf, Beuys presenta en diciembre del mismo año "Manresa", sobre la relación mística con el santo durante su estadía en la ciudad catalana.

En 1968 se realiza en Amsterdam la primera gran retrospectiva de Joseph Beuys. En 1970, el artista funda la "Organización de electores, libre plebiscito". En 1972 abre en la Documenta V de Kassel la "Oficina Política Permanente de la Organización para la Democracia Directa a través del Plebiscito". En 1974 tiene lugar una de sus acciones más conocidas, "Coyote, I like America and America likes me", durante la que habita durante cuatro días con un coyote en una galería de Nueva York.


También en 1974 funda junto con el Nobel alemán de Literatura Heinrich Böll la "Universidad Libre Internacional", una universidad sin sede en la que se ponen en práctica las ideas pedagógicas del artista. En 1975 realiza un viaje de 15 días por Kenia, junto con el fotógrafo Charles Wilp.

En 1976 realiza sus dos instalaciones más importantes, "Muestra tu herida", con continuas alusiones al sufrimiento y la muerte, y "Parada de tranvía", en la Bienal de Venecia y en la que el artista recrea momentos de su juventud.


En 1979 exhibe en la Bienal de San Pablo el "Fondo V" y se presenta como candidato de Los Verdes al Parlamento Europeo. El mismo año, el Guggenheim Museum de Nueva York presenta una gran retrospectiva de su obra. Un año después participa en la Bienal de Venecia con la instalación "Espacio El Capital, 1970-1977". Simultáneamente, Andy Warhol exhibe sus retratos de Beuys. Durante la Documenta VII de Kassel, en 1982, Beuys realiza "Transformación" y "7000 robles", proyecto de enorme éxito, en cuyo marco quiere plantar 7000 árboles. La muerte le impidió acabar con la tarea, que numerosos seguidores culminarían más tarde.

En 1983 instala "El fin del siglo XX", en Düsseldorf, y en 1984 crea la escultura "Olivestones" en Turín. En 1985 expone una selección de obras en papel en Madrid e instala las obras "Fondo VII/2" e "Infiltración homogénea para piano de cola" en París. En 1986 recibe el premio Wilhelm Lehmbruck de la ciudad de Duisburgo. El 23 de enero de 1986 Joseph Beuys muere como consecuencia de un fallo cardiaco.

George Brecht

Brecht empezó a trabajar como artista a finales de los años cin­cuenta, mientras desempeñaba su labor como químico investigador en Nueva Jersey.

Esta doble posición le permitió servirse de los mode­los científicos de su tiempo para reflexionar sobre la experiencia, uti­lizando el arte como medio para representarla. 

En 1956-1957, escri­bió un ensayo de referencia titulado Chance-Imagery (Imágenes aleatorias), una investigación sistemática del papel del azar en el siglo XX en los ámbitos de la ciencia y el arte vanguardista, que ponía de manifiesto su consideración por los proyectos dadaístas y surrealis­tas, así como por los aspectos más complejos de la obra de Marcel Duchamp, a quien consideraba el modelo de «artista investigador». 

Al mismo tiempo, inició una serie de experimentos que denominó «Chance Paintings» (Pinturas aleatorias), tiñendo al azar unas sába­nas con clara intención antipictórica y antirrepresentativa. Brecht se refirió a estos primeros intentos por convertir el tiempo y el azar en la base de su obra como un tipo de «expresionismo abstracto corre­gido».

 En esta etapa, que coincide con la muerte de Jackson Pollock, entabló relación con artistas que daban clases en la Rutgers University, especialmente con Allan Kaprow y Robert Watts, con los que firmó un texto, A Project in Múltiple Dimensión (Un proyecto en múlti­ples dimensiones, 1957), con el que pretendían trascender la gran influencia que en ese momento jugaba el expresionismo abstracto en pos de un arte avanzado, de prácticas conceptuales radicales y multimedia."

La afinidad con Jobn Cage, con quien comparte el interés por el pensamiento oriental, le impulsa a asistir a sus clases de «Com­posición experimental» que impartía en Nueva York. Cage anima­ba a buscar nuevos medios para la práctica creativa, como la gene­ración de una partitura (musical) mediante procedimientos aleatorios o el uso del sonido del entorno utilizado como ready-made auditi­vos. Brecht comprendió que la «experiencia en todas las dimensio­nes» podía resaltarse y encapsularse en forma de partituras verbales y, a partir de ahí, desarrolló el concepto de «partirura evento», con el que estructura el espacio y el tiempo de la obra e invita al espec­tador a participar en ella."

"Así ocurre en su primera exposición Toward Events: An Arrangement (1959) en la Reuben Galiery de Nueva York.

 Estas obras reunían obje­tos de forma similar al vocabulario emergente del ensamblaje y la com­binación de Robert Rauschenberg, o de la «colección» en la obra de Joseph Cornell y Marcel Duchamp. La diferencia radical, sin embargo, fue su énfasis insistente en el aspecto temporal y de participación que contienen los términos «evento» y «arreglo». Esta cualidad por sí misma revelaba el impacto de Cage y la originalidad con la que Brecht había sido capaz de ampliar estas fuentes. 

Todos los objetos realizados en los años inmediatamente posteriores a este grupo de trabajos inclu­ían partituras de diferentes características. En algunos casos, la parti­tura sugería la realización de un objeto, mientras que, en otros casos, el objeto era descubierto, y Brecht escribía posteriormente una parti­tura para el mismo, poniendo de relieve la relación entre el lenguaje y la percepción. O, en palabras del artista, «para que los detalles de la vida cotidiana, las constelaciones aleatorias de objetos que nos rodean, dejasen de pasar inadvertidos». La partitura evento fue tanto una crí­tica de la representación artística convencional como un gesto de pro­funda resistencia contra la alienación individual, como puede apreciarse en su última partitura de formato largo, Motor Vehicle Sundown (Event) 1960 To John Cage (Atardecer con vehículos a motor (evento) 1960 para John Cage). Entre 1959 y 1962, esta idea evoluciona hasta convertirse en una simple tarjeta blanca con unas líneas tipográficas destinadas a proponer un objeto, un pensamiento o una acción."

El principio de la década de los sesenta también fue un período en el que Brecht desarrolló su propia crítica del marco institucional y los mecanismos para la distribución del arte. Sus primeros «Chair Events» (Eventos con silla), en 1961, en los que colocaba una parti­tura real junto a un objeto cotidiano inalterado, constituyeron una expresión de resistencia frente a la exigencia de las galerías de presentar su trabajo de manera formal. El diseño de modelos de distri­bución distintos de los convencionales pasó a convertirse en parte integrante de su trabajo. Sus «Contingent Publications» (Publicaciones contingentes) eran una dirección postal con sede en Nueva Jersey, desde la cual distribuía sus partituras y objetos evento. En este mis­mo sentido, el YAM Festival, concebido con Robert Watts, funcio­naba como una alternativa al sistema de galerías para producir un arte que no podía comprarse, distribuyendo la noción de práctica artística no material y organizando representaciones o conciertos de su obra más reciente y de la de otros compañeros interesados."

Esta base conceptual fue importante en el contexto de Fluxus, al otro lado del Atlántico, en el que las partituras evento de Brecht fue­ron ampliamente reconocidas e interpretadas. De hecho, Fluxus se ini­ció en Wiesbaden (Alemania) con una serie de conciertos de «nueva música» organizados por George Maciunas, con las partituras radica­les de Brecht y otros artistas de su círculo, como Dick Higgins, Emmett Williams, Robert Filliou, Eric Andersen, Alison Knowles y Ben Vautier, entre otros. Maciunas publicó las partituras y una serie de trabajos efí­meros de este grupo de artistas de la forma más barata y accesible. El primero de estos múltiples fue una colección en cajas de unas 70 par­tituras de George Brecht, llamada Water Yam."


En 1964, poco antes de viajar a Europa, Brecht plantea un nue­vo fotmato para su obra, el de un libro en construcción, al que deno­mina The Book of the Tumbler on Fire (El libro del vaso en llamas). Con este título se captaba, según Brecht, su percepción de toda su obra como una «investigación sobre la continuidad de cosas distin­tas». El núcleo de este libro lo constituye una importante serie de eventos en forma de cajas satinadas. Brecht ha seguido realizando dichas cajas hasta hace bien poco, y estas componen, junto con las sillas, las pinturas, las partituras y todo tipo de formatos diversos, capítulos de su interminable libro."
El arte de Brecht  raya en lo inexistente, se diluye en otras dimen­siones o carece de dimensión,  no tiene forma, se haya  en el límite de la imperceptibilidad. Sonidos apenas audi­bles, imágenes apenas distinguidas. Arte «en la frontera» (ya veremos qué rumbo toma).


John Cage




Músico estadounidense que influyó de forma decisiva en la vanguardia de su tiempo, John Cage (Los Ángeles, 1912 – Nueva York, 1992) estudió con los compositores Henry Cowell y Adolph Weiss, así como con el austriaco Arnold Schönberg.

 Por influencia del zen, Cage utilizó a menudo en sus partituras los silencios como un elemento más del lenguaje musical, otorgando a los sonidos una entidad dependiente del tiempo.

El azar se convirtió, en ocasiones, en protagonista de sus obras. 

En la década de los treinta, comenzó a demostrar en sus primeros trabajos un talento inusual para el diseño de ritmos imposibles y aptitudes especiales para la invención de sistemas como el de veinticinco tonos. Usó asimismo distorsiones para sus instrumentos e inventó el piano preparado, al cual le insertó en el encordado una serie de elementos que dotaban al instrumento de un amplio abanico de nuevas de posibilidades sonoras. Posiblemente la composición más innovadora de entre las que compuso para este novedoso piano fue Sonatas and Interludes (1946-1948).

Cage acuñó también el concepto de música no-intencional.

Un ejemplo es "4’33" (1952), una obra cuya partitura no contenía ninguna nota a lo largo de sus cuatro minutos y treinta y tres segundos de duración. La primera interpretación de la misma corrió a cargo del pianista David Tudor


Además de las citadas, entre sus piezas, cabe destacar Amores (1943), Music of Changes (1951) o Theatre Piece (1960) y, entre sus libros, Silence (1961), Empty Words (1979) o X (1983). 

También compuso obras destinadas a la danza para el coreógrafo estadounidense Merce Cunningham y, en 1989, fue galardonado con el Premio Kyoto otorgado por la Fundación Inamori.



Henning Christiansen

Robert Filliou
Ludwig Gosewitz
Al Hansen
Geoffrey Hendricks
Dick Higgins
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Ute Klophaus
Milan Knizak
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Arthur Köpcke
Manfred Leve
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Robert Rehfeldt
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